International Art Video Festival

13.8. – 20.8.2022

Vernissage: 12.8.2022 dès 18.00 h
Exposition: 13.8. jusqu’au 20.8.2022

Plus que 30 vidéastes du monde entier se produisent au premier festival international de vidéo d’art « No-Mad » – Enraciné dans le devenir.

Le conservateur Alessandro Rolandi a choisi le thème du nomadisme comme principe directeur, sur lequel les artistes font leurs déclarations sous forme de vidéo. Plus à ce sujet ci-dessous.

Les artistes:

Adel Andalibi (Iran)
Adel a été chercheur résident au temple taoïste de QianYuan ces deux dernières années et il mène des recherches à l’institut d’ethnographie et de somatique Here & Now, où il explore la frontière entre l’ethnographie visuelle, le design thinking, la somatique et l’intervention communautaire. Il a travaillé sur le terrain en Iran, au Kirghizstan et en Chine et est basé en Chine depuis 2010. Adel est fasciné par l’exploration des récits et des métaphores ancrés dans le corps humain et des récits ancrés dans l’espace/la ville en tant que corps de la société. Les histoires dans le corps humain le conduisent à la discipline de la psychologie somatique et du FengShui, où il explore la façon dont le récit corporel définit l’expérience de vie d’une personne et comment ces récits personnels sont construits socialement/physiquement dans une perspective anthropologique. Les récits spatiaux le conduisent dans le domaine de l’architecture paysagère/écologique et de l’innovation sociale, où l’histoire collective trouve son corps dans les produits sociaux. Quelques extraits vidéo de travaux antérieurs peuvent être consultés à l’adresse
https://vimeo.com/user15292220.
www.herespace.com

Œuvre vidéo exposés ; RAW

Citation :  » Le nomadisme peut inclure l’abandon des noms. Un nom est une maison temporaire que nous construisons pour une signification. Pourtant, les significations ont toujours été nomades ».

Torsten Zenas Burns (États-Unis)
Torsten est un artiste et un éducateur en arts médiatiques qui vit actuellement à Helsinki, en Finlande. Il a obtenu son BFA en arts vidéo et informatique en 1990 au New York State College of Art & Design de l’Université d’Alfred, et son MFA en New Genres : art vidéo et performance au San Francisco Art Institute en 1993. Il crée des vidéos, des photographies, des installations sculpturales et des projets de publication électronique explorant des contenus spéculatifs, notamment des pratiques éducatives réimaginées, des programmes spatiaux expérimentaux, des fictions écologiques, des relations entre zombies et vie après la mort et des histoires post-humaines. D’autres projets artistiques à long terme incluent des collaborations vidéo avec Darrin Martin, Monika Czyzyk et Anthony Discenza (Halflifers).
https://www.torstenzenasburns.com/

Œuvre vidéo exposée : MONSTERSWEET (version monocanal 23:30)

Umberto Cavenago (Italie)
Sa recherche fusionne la passion pour la culture artistique et la culture du design ; ses interventions, toujours liées à l’espace architectural et naturel, établissent un dialogue formel et déstabilisant dans un rapport anticellulaire et jamais définitif. Il travaille avec les matériaux les plus divers en utilisant les technologies numériques actuelles. Les méthodes de construction adoptées par Umberto Cavenago ne sont pas issues de la pratique artistique, mais du monde industriel : étude de faisabilité, conception, choix des matériaux, devis, réalisation. Un système d’approche qui semble unir Cavenago au designer industriel, mais qui contient un piège : il ne conçoit pas de prototype pour la production en série, ni ne l’introduit dans le cycle de production.
https://cavenago.ch/?r=1

Ambra Corinti (Italie)
Sinologue / cinéaste / productrice / curatrice / musicienne expérimentale. Née en Italie, elle vit et travaille à Pékin depuis 2005, où elle a travaillé pour plusieurs galeries et institutions avant de fonder ZaJia Lab, l’un des lieux indépendants les plus connus de Pékin pour la musique expérimentale, les films indépendants, les documentaires et l’art conceptuel et de performance. Elle est mariée avec le cinéaste chinois Arong (Rong Guang Rong) et ensemble, ils ont réalisé plus de 10 films et documentaires, dont certains ont été exposés internationalement dans divers festivals de cinéma et ont reçu des prix à Rotterdam et Locarno.
https://mubi.com/cast/ambra-corinti https://absofrockinlutely.blogspot.com/2015/02/the-zajia-laboratory-in-beijing.html

Œuvre vidéo exposée : DON’T BELIEVE IT

Monika Czyzyk (Pologne)
Monika Czyżyk (née en 1989 à Kielce, en Pologne) est une artiste visuelle basée à Helsinki, en Finlande. Elle a obtenu un MFA en peinture de l’Académie des beaux-arts Jan Matejko de Cracovie en 2014, et un BFA / MFA en arts du temps et de l’espace de l’Académie finlandaise des beaux-arts en 2017. Elle travaille principalement avec l’image en mouvement dans le cadre de documentaires expérimentaux et de projets socialement engagés. Actuellement, elle fait des recherches sur le jardinage réimaginé et collecte de l’argile d’origine locale pour des cuissons au four bricolées. Elle a participé à des expositions, notamment à la Hippolyte Gallery, Helsinki, Finlande, 2022, à Bilsart, Istanbul, Turquie, 2022, à la Myymälä2 Gallery, Helsinki, Finlande, 2020, au Stroboskop Art Space, Varsovie, Pologne, 2020, au C5 Art Space, Pékin, Chine, 2019, à l’African Artist Foundation, Lagos, Nigeria, 2018. Ses vidéos ont été projetées au Ann Arbor Film Festival, Michigan, USA 2021, Zachęta National Gallery, Varsovie, Pologne, 2019, New Media Society, Téhéran, Iran, 2019, WRO Biennale, Wrocław, Pologne, 2017, UnionDocs, New York, USA, 2017. Elle est boursière du Centre de promotion des arts 2022, de la Fondation Kone 2020. Elle a été résidente de la Fondation Amant Sienne, Italie, 2021, et de l’Institute for Provocation, Pékin, Chine, 2019.
https://contemporarylynx.co.uk/portfolio-monika-czyzyk

Œuvre vidéo exposée : MONSTERSWEET (version monocanal 23:30)

Deng Dafei (Chine)
Artiste multimédia/éducateur basé à Pékin où il a créé une école et une méthodologie d’éducation artistique alternative basée sur de multiples références de la tradition orientale et occidentale. Ses œuvres font souvent appel à l’humour noir et à un réalisme fictionnel corrosif pour discuter des problèmes de société d’une manière provocante et provocatrice. Avec He Dai, il a fondé Utopia Group, l’un des groupes d’art expérimental les plus importants de l’art contemporain chinois.
https://www.absolutearts.com/artsnews/2009/09/22/publish/2348908630.html

Œuvre vidéo exposée : SUDDEN BREAK IN

Martin Derbyshire (Royaume-Uni)
Martin est un artiste d’origine britannique, qui réside en Chine depuis 1995. Il est à la fois praticien, éducateur et chercheur indépendant. Après avoir enseigné à l’Académie centrale des arts et à l’Académie des arts de l’Université de Tsinghua, il combine actuellement la pratique en atelier et l’enseignement à la Faculté des arts de l’Académie occidentale de Pékin et à son département de théorie de la connaissance. Sa publication la plus récente, « Odette and I Are Dreaming : A Work in Two Parts » a été présentée au symposium Art, Science et Technologie de l’Université Tsinghua en 2019. « Mon travail est itératif, chaque pièce fournissant un point de départ pour la suivante. Mon intention est de refléter un état d’être dans lequel la contradiction est transcendée et résolue : non pas par un déni de la particularité, mais par sa situation dans un contexte de coexistence interactive : dans lequel la découverte de points communs sous-jacents de l’objectif peut être faite. Toutes les distinctions, au sein d’une telle matrice, démontrent leur capacité à se refléter mutuellement, mais aussi à refléter des structures, des systèmes et des processus plus larges et plus profonds qui transcendent leurs contingences respectives.
https://www.martinderbyshire.com/installation

Œuvre vidéo exposée : BREATHING

Jose Drummond (Portugal)
Artiste, conservateur et chercheur portugais, Jose Drummond est actuellement basé à Shanghai. Sa pratique, axée sur la recherche, est une investigation énigmatique, elliptique et poétique de l’espace entre les cultures et entre les médiums. Il est titulaire d’un MFA en pratique créative de l’Université de Plymouth (Royaume-Uni) et du Transart Institute de New York (États-Unis). 1986/1994 At. Re – Atelier Livre avec le professeur Pedro Morais (Portugal). 1987/1990 Cours de base en peinture et dessin à Ar.Co et SNBA (Portugal) – non terminé. 1989 Scénographie à l’IFICT (Portugal). 1999 Gestion des arts à l’IEEM (Macao). 2016 Finaliste du Sovereign Asian Art Award. 2011 Finaliste du prix de photographie Asie-Pacifique.
https://www.josedrummond.art/
Il est le fondateur de la plateforme en ligne zizhi https://www.zizhi.art/about.

Œuvre vidéo exposée : LOVE IS THE SCARIEST THING

Michael C. Eddy (Canada)
Michael Eddy est un artiste et écrivain basé à Montréal. Son travail, à la fois conceptuel et artisanal, explore les aspects de la représentation et de l’histoire dans l’art et la culture populaire à travers divers médiums, dont la gravure, le dessin, la sculpture, la vidéo et le texte. Eddy est titulaire d’un Meisterschüler de la Städelschule de Francfort (2008) et d’un B.F.A. du Nova Scotia College of Art and Design de Halifax (2005). Il a participé à des résidences au Canada, en Italie, en Chine et au Japon. Il a souvent travaillé en collaboration avec d’autres, notamment avec le groupe Knowles Eddy Knowles (depuis 2004) et a co-organisé l’espace et le groupe de collaboration HomeShop à Pékin (2010-2013). Ses textes ont été publiés dans de nombreux catalogues et magazines, dont Esse arts+opinions et Peripheral Review. Michael Eddy est un bénéficiaire du Programme des studios de Montréal 2019-2023 de la Fonderie Darling.
http://www.conceptualyouthhostel.net/
http://www.conceptualyouthhostel.net/wp-content/uploads/2021/03/michael-eddy_CV-2021.pdf

Œuvre vidéo exposée : INFINITE CRUELTY

Peter Friess (Belgique)
Peter est un artiste basé à Bruxelles avec une solide expérience des systèmes sociaux complexes auto-organisés. En tant qu’artiste et chercheur indépendant, il s’intéresse à de nombreux domaines tels que l’intelligence artificielle, les nanotechnologies et les biotechnologies, la théorie des systèmes, les sciences humaines, le transhumanisme, l’exploration spatiale et l’écologie. Son approche est basée sur la collaboration et l’échange mutuel pour l’apprentissage, le partage et la co-création. Outre ses propres créations en solo ou des réalisations de groupe, il soutient des musiciens et des danseurs pour des performances augmentées. Il intervient également à travers des performances, des conférences, des ateliers et des écrits sur l’art, la science et la technologie, et dirige l’espace événementiel YIAP à Bruxelles pour l’art expérimental et transversal.
www.petermfriess.com

Œuvre vidéo exposée : SECRET GARDEN


GeoCinema (Solveig Suess, Asia Bazdyrieva,) (Suisse/Ukraine)
Geocinema (Solveig Qu Suess, Asia Bazdyrieva) est un collectif qui explore les possibilités d’une notion « planétaire » du cinéma. Leur pratique s’intéresse à la compréhension et à la perception de la Terre tout en étant sur le terrain, dans le cadre de processus de création d’images et de sens largement distribués. Leur travail a été présenté au niveau international, notamment dans le cadre de l’exposition solo « Making of Earths » (Kunsthall Trondheim, 2020) et d’expositions collectives telles que « Critical Zones » (ZKM Karlsruhe, 2020-21) et « Re-thinking Collectivity » (Guangzhou Image Triennale 2021). En 2020, ils ont été nominés pour le prix Schering Stiftung pour la recherche artistique. https://geocinema.network/#about

Œuvre vidéo exposée : MAKING OF EARTHS

Frank Gerlitzki (Allemagne/Luxembourg)
Artiste, curateur et humaniste avec une longue expérience de la pratique sociale, de l’esthétique relationnelle et de l’approche multidisciplinaire. Après avoir fondé la galerie Espace ApArt au Luxembourg, un espace physique de dialogue et d’échange culturel qui a réuni des artistes de différents pays pendant plusieurs années, il est parti en voyage à la recherche d’un « espace différent » et s’est arrêté en Chine. Pékin lui semblait déjà trop rapide et structuré, il s’est donc installé à Guangzhou et a trouvé dans le village de Xiao Zhou Cun une « île » où se promener et se perdre. Depuis lors, il travaille en collaboration avec l’espace indépendant Sabaki, l’OCT Shenzhen, l’Académie d’art de Guangzhou et surtout avec divers artistes et les « gens du pays » qu’il aime tant depuis son arrivée. https://frankgerlitzki.com/

Œuvre vidéo exposée : MANIFESTO

Nan Hao (Chine)
Artiste/éducateur/chercheur/activiste. Né à Pékin, il a étudié aux États-Unis et aux Pays-Bas et est maintenant professeur à la faculté d’art de l’université normale de Shantou. Ses travaux vont des interventions individuelles aux interventions collectives, en passant par les performances et les installations, avec un accent particulier sur les dynamiques sociopolitiques. Ses recherches s’inscrivent dans le cadre théorique du post-structuralisme, du nouveau matérialisme et des études postcoloniales. https://www.jialigallery.com/tag/nan-hao/

Œuvre vidéo exposée : CHI 3 / BLACK SQUARE TOPOLOGY

Matt Hope (Royaume-Uni)
Un artiste britannique qui vit et travaille à Caochangdi, un quartier artistique de Pékin, en Chine. Il est connu pour ses constructions élaborées d’art cinétique et d’art sonore réalisées dans des usines de fabrication à grande échelle en Chine continentale. Il est actuellement basé à Guangzhou. Dans son travail, il combine un intérêt et une précision d’inspiration moderniste pour les matériaux, les procédures technologiques, les techniques de construction et d’assemblage avec une curiosité nomade contemporaine envers les champs expérimentaux contemporains à l’intersection de l’art et de la science, tout en reformulant constamment l’importance de la physicalité de l’art et de ses relations spatiales avec le paysage urbain et ses infrastructures.
http://matthope.org/

Œuvre vidéo exposée : DRIFTING BOX

Kristiina Koskentola (Finlande/Pays-Bas)
Son travail récent évolue autour des modes (spéculatifs) de production de connaissances, de la subjectivité polyvocale et de l’agence de multiples co-acteurs (humains et non-humains), souvent à travers des écologies « périphériques » ou spirituelles. Sa pratique pluridisciplinaire s’étend sur divers médias, dont la vidéo, l’installation, les projets interactifs de performance (cuisine), les publications et les conférences. Son travail est étroitement lié au discours posthumain/postanthropocentrique. Les perspectives monistes, la transversalité des temporalités et l’interconnexion des êtres, des entités et des environnements sont au cœur de sa pratique.
http://kristiinakoskentola.com/

Œuvre vidéo exposée : OUR BODIES HAVE TURNED INTO GOLD

Doug Lewis (Canada)
Doug Lewis est originaire de Winnipeg, au Canada, où il réside. Il a obtenu une maîtrise du Chelsea College of Art and Design en 2006 (Londres, R.-U.) avec une orientation interdisciplinaire qui a fusionné ses pratiques artistiques et curatoriales qu’il appelle  » 3e pratique  » et qui explore les possibilités entre ses rôles d’artiste et de curateur. Artiste pluridisciplinaire, il travaille dans un large éventail de médiums, dont la performance, la sculpture, l’installation, la vidéo et l’audio. Il a vécu à Beijing, en Chine, de 2008 à 2020, où il a travaillé comme conservateur indépendant, artiste et éducateur en art. Lewis a été commissaire et/ou a exposé au Canada, en Chine, en Croatie, aux États-Unis, au Royaume-Uni et en Corée du Sud.
https://www.douglewis.com/

Œuvre vidéo exposée : CRUSH !

Monika Lin (États-Unis)
Monika Lin a grandi sur les deux côtes des États-Unis, dans le New Jersey et dans la baie de San Francisco. Elle est titulaire d’un BFA du Mills College d’Oakland, d’un MFA de la School of Visual Arts de New York et d’un MA en Interactive Media Arts de la NYU Tisch School of the Arts. Son travail porte principalement sur des thèmes sociopolitiques mettant l’accent sur les constructions culturelles et l’économie, sur la pertinence sociale de l’art à travers le dialogue, la collaboration et l’expérience relationnelle, et sur les questions de mythe et de matérialité. Mme Lin vit à Shanghai depuis 2006. Elle a participé à des résidences à Madrid, dans le Vermont, à Jingdezhen, à Los Angeles et à San Francisco. Elle est actuellement professeur adjoint d’arts visuels à l’université de New York à Shanghai.
http://monikalin.com/

Installation sonore exposée : COLONIAL CUPS:CONVERSATIONS ABOUT OBJECTS AND INCIDENTS (avec des contributions de Jamesetta Bunn, Duane Corpis, Marcela Godoy, Nefertiti Jones, Heather Lee, Marianne Petit)

Li Xin Lu (Lulu Li) (Chine)
« J’utilise le texte, le contexte, les sorts, les symboles, les phrases, la syntaxe, les objets, le temps, l’espace, les corps, les gestes, les fables, les lores, les parodies, les matières tangibles et intangibles, comme outils et moyens pour manifester ceux qui ne le sont pas encore. Je crois que l’on doit cultiver un certain niveau de sensibilité et d’écoute attentive afin d’amener les potentiels qui sont en latence dans la psyché personnelle et collective à des phénomènes perceptibles. En d’autres termes, en tant qu’artiste, je dois être capable de conduire et de raconter des histoires. »
Lulu Li est une praticienne active dans les domaines du design, de l’art, du design d’interaction, de la recherche, de la conservation et de l’entrepreneuriat. Ses travaux personnels et ceux de son studio ont remporté de nombreux prix, dont le TOCA ME, les prix Gilbert de Botton UAL, le Red Dot, le IF award et la meilleure application 2014 et 2015 sur App Store. Sa série de travaux personnels de design renommés « the lightning babe » lui a valu une réputation sur la scène du design chinois en 2007.
https://lululi.co/

Œuvre vidéo exposée : PANSPERMIA

Ma Yongfeng (Chine)
Artiste, conservateur et fournisseur de contexte, Ma Yongfeng est né en Chine en 1976 et vit actuellement à Berlin. Les travaux de Ma sont plus attachés aux pratiques d’interventions sociales participatives, d’installations, de situations et d’événements, avec l’objectif de lancer une série de projets auto-organisés pour rechercher les pratiques artistiques directement liées à la société. Actuellement, le projet en cours Forget Art contient des caractéristiques flexibles et changeantes, notamment des expositions, des interventions de guérilla, des médias sociaux et l’application de la politique de la rue, etc. La tactique employée par Ma consiste à introduire de nouveaux concepts et méthodes en s’impliquant subtilement dans les mécanismes, en les appliquant à ses pratiques et résistances sociales.
http://www.mayongfeng.com/

Œuvre vidéo exposée : EVERYTHING THAT RISES MUST CONVERGE

Andrea Nacciarriti (Italie)
Andrea Nacciarriti (1976, Italie) est un artiste visuel basé à Senigallia, en Italie. Sa pratique explore l’étroite relation, et les paradoxes qui en résultent, entre les contextes architecturaux et environnementaux avec les réalités sociales, les contextes historiques et les événements actuels. En tant que pratique interdisciplinaire, le travail de Nacciarriti se traduit par des installations spécifiques au site, des actions improvisées et réactives, des performances, des sculptures, des dessins et des photographies. En 2005, il a suivi le cours avancé en arts visuels avec Alfredo Jaar à la Fondazione Antonio Ratti à Côme. Andrea a participé à des programmes de résidence en Chine, en Finlande, au Maroc et aux États-Unis. Il a remporté le prix Terna 03 et le prix New York XII. Son travail fait partie de collections privées et publiques, dont la Fondation Antoine de Galbert à Paris et la Collection La Gaia, en Italie. Il a exposé et participé à des projets dans des espaces publics et privés, dont l’Historic Essex Street Market building (New York), le Palais Ducal (Urbino), le Centre d’arts visuels de la Fondation Pescheria (Pesaro), le CAB (Grenoble), Fondation Pro Artibus (Ekenäs), Galerie Franco Soffiantino (Turin), MACRO (Rome), La Maison Rouge (Paris), PAC (Milan) Musée Villa Croce (Gênes), Le Fresnoy – Studio National des Arts Contemporains (Tourcoing Cedex en France), MAMM (Moscou). Parmi les projets spéciaux : « you might get breath less », ISCP à New York ; « less than air » Showroom Elica, Milan, à l’occasion de la 49ème édition du Salone Internazionale del Mobile, « sculpture park » Reagent’s Park, Londres, à l’occasion de la Frieze Art Fair.
https://www.andreanacciarriti.net/

Œuvre vidéo exposée : UNTITLED ( OUR TRIBUNES OUR RULES)

Giancarlo Norese (Italie)
Né à Novi Sad en 1963, il se consacre depuis les années 1980 à des pratiques de collaboration avec d’autres artistes et institutions, à la réalisation de projets d’édition, d’actions publiques, d’expériences éducatives indépendantes. Il a été l’un des initiateurs du projet Oreste et l’éditeur de ses publications. Il a exposé et participé à des projets dans des espaces publics et privés, notamment à la Villa Médicis (Rome), à la Galleria Neon (Bologne), à la 42e et 48e Biennale de Venise, à P.S.1 (New York), Galerija Škuc (Ljubljana), Galleria Continua (San Gimignano), Triennale di Milano, Performa07 (New York), Tent (Rotterdam), Red Gate (Pékin), MAMM (Moscou), ASU Art Museum (Phoenix), Cabaret Voltaire (Zurich). Il a donné des cours, des ateliers et des conférences dans certaines académies et universités. Il a dormi sous une table pendant six mois.
www.norese.tk

Œuvre vidéo exposée : MISTAKEN LANDSCAPE

Serge Onnen (France/Pays-Bas)
Artiste, réalisateur de films et d’animations, artiste de performance, éducateur, chercheur. Il vit et travaille à Bruxelles, a suivi une formation à la Rijksakademie et a participé à plusieurs expositions collectives en Belgique et à l’étranger.Il réunit le dessin, l’animation, le film et les ombres autour d’un thème central et place l’art du dessin dans une perspective plus large en initiant toutes sortes de projets.Selon lui, le dessin est presque universel, tout le monde a fait un dessin à un moment donné.Il étudie et travaille depuis plusieurs années les marionnettes d’ombre traditionnelles chinoises et a fabriqué de nombreuses marionnettes avec des artisans chinois, qui prennent vie dans des films et des performances.
http://www.sergeonnen.com/

Œuvre vidéo exposée : .CLOACINAE
en cooperation avec Sverre Fredricksen

Qiao Xingyue (Chine)
Réalisateur de films et de documentaires/artiste conceptuel/ . Né à Shangqiu, il vit et travaille à Pékin depuis plus de 15 ans, puis s’est installé aux États-Unis où il a été sélectionné pour une bourse internationale pour jeunes cinéastes à USC. Il a travaillé pour le studio d’Ai Wei Wei pendant plus de 5 ans et a fait partie de l’équipe de tournage qui a filmé et monté certains des documentaires les plus connus de M. Ai. Il travaille actuellement à son premier film de fiction tout en poursuivant ses études supérieures à New York.
https://www.firstfilm.org.cn/en/annual/financing-forum/finalist-projects/finalist-projects-2018/

Travail vidéo exposé : HOME / IMPRESSIONS OF HEADING BACK

Infos vidéo

Home: vidéo
L’ouvrier du bâtiment est debout dans sa maison, où l’endroit est leur maison temporaire, mais chaque « moment temporaire » a construit leur vie en Chine.

IMPRESSIONS OF HEADING BACK
La minorité nationale Aini (爱伲族)) vit à la frontière entre la Chine et le Myanmar. Un jour, après avoir filmé l’histoire d’une jeune fille courageuse qui a vaincu ses ennemis avec son sang menstruel et l’eau des rivières pour sauver sa tribu, tout le monde chantait sa vieille chanson. C’est l’IMPRESSION qu’ils ont laissée.

Ren Bo (Chine)
Artiste/Photographe/Vidéaste. A étudié à Moscou et à Pékin. Ses œuvres multimédias explorent et témoignent de sensibilités intangibles à l’intersection entre images animées et fixes, objets et installations, en essayant de combiner des éléments de l’esthétique traditionnelle chinoise et de l’esthétique occidentale par le biais de supports numériques et post-numériques et de la sculpture contemporaine. Elle interroge indirectement les notions d’identité culturelle à travers un langage visuel qui fusionne poétiquement des éléments hétérogènes en transmettant une aura silencieuse de suspension.
https://www.ododobobo.com/aboutrenbo

Œuvre vidéo exposée : INFINITE WHITE IN LIFE

Silvano Repetto (Suisse)
Silvano est un artiste qui aime jouer avec l’art, il définit lui-même ses performances comme inutiles, des moments de la vie quotidienne bouleversés, avec un soupçon de folie et de poésie. Ses performances naissent souvent d’une inspiration soudaine et sont immortalisées par l’artiste par des moyens de fortune. Avec ses œuvres, Repetto aspire à créer l’émerveillement chez le spectateur, le ramenant pour un instant à l’innocence de l’enfance. Dans le cadre des projets pop-up, Repetto a créé des compositions d’images et de vidéos, dans lesquelles certaines de ses performances seront présentées.
https://www.masilugano.ch/en/1080/silvano-repetto

Megumi Shimizu (Japon)
Megumi travaille principalement dans la performance et le dessin d’actions. Elle a déménagé sur l’île de Miyako depuis Osaka en 1999 – Hangzhou en 2001 – Pékin et Tokyo depuis 2016. Elle a dû utiliser le langage corporel pour communiquer à l’étranger et a rencontré le caractère physique de la calligraphie chinoise, puis a commencé à créer des performances en Chine et a participé à des événements de performance et à des expositions principalement en Chine continentale. Megumi a donné des cours de courte durée au Goethe-Institute Beijing et à l’Art Institute of Guangdong Shantou University, et a également donné des conférences sur « Interprétation de la liberté_ Art chinois aux 20e et 21e siècles » (2017-2018 / Anata no Kosaten, Tokyo) , a projeté le film documentaire « Chinese Action » (réalisé par Wen Pulin). Elle a également participé au festival Hadano Art (2021). Festival international d’art de Saitama (2020), « The Power of the People » (2016 / Beijing Minsheng Art Museum, Chine), « AQUA2017 » (Rome), exposition collective (2016 / Sanyuan Museum of Contemporary Art, Tianjin), « Asian Panic ! » (2012/Musée de la ville de Guanzhu/Corée). Elle co-organise un groupe de performance d’improvisation à base ouverte « Koui izen » à partir de 2019. (« Koui izen » fait référence à un groupe qui exécute des performances improvisées spontanément dans un environnement ouvert sans préciser les membres, ni le projet lui-même.
https://megumi-shimizu.wixsite.com/works/cv

Œuvre vidéo exposée : AT THE CROSSROAD BETWEEN LIGHT AND SHADOW / COLLABORATION WITH A BIRD

Ani Schulze (Allemagne)

La pratique d’Ani Schulzes oscille entre film, peinture, sculpture et installation. Elle déploie des mondes visuels dans lesquels la relation mutuelle et les frontières poreuses entre le corps, la technologie, la fantaisie et l’espace sont encerclées. Récemment, ses œuvres ont été présentées à la Hamburger Kunsthalle, au Kunstverein Siegen, au Salzburger Kunstverein, au Pavilhão Branco à Lisbonne et à I : Project Space à Pékin.
https://www.anischulze.net/

Œuvre vidéo exposée : SUFFUSION OF YELLOW

Ani Schulze, Suffusion of Yellow, 4K, sound, 10 min., 2021

Miriam Simun
Miriam Simun est une artiste de recherche qui étudie les implications des changements socio-techniques et environnementaux. Simun est diplômée de la London School of Economics et du programme de télécommunications interactives de l’université de New York. Son travail a fait l’objet de nombreuses présentations internationales, notamment des expositions au New Museum of Contemporary Art, New York ; au Museum of Arts and Design, New York ; à la DeutscheBank Kunsthalle, Berlin.

recent work          links and things

Travail vidéo exposé : IMAGINED LINES AND ALIBIS

Arden Surdam (États-Unis)
Arden Surdam (née en 1988 à New York, NY) est une artiste américaine qui travaille la sculpture et la photographie. Elle a obtenu une licence en études environnementales et en arts visuels à l’Oberlin College, aux États-Unis (2010) et un master en photo et médias au California Institute of the Arts, aux États-Unis (2015). Son travail porte sur l’interconnexion entre la photographie et la vie marine. Par le biais de recherches sur les interférences d’origine humaine, telles que les déversements de produits chimiques ou les espèces envahissantes, Surdam plaide pour une conception élargie de la photographie, qui met en évidence la fragilité de la planète face à la domination anthropocentrique. Elle incorpore des matériaux marins comme les algues, le varech et les huîtres pour démontrer ces vulnérabilités. En utilisant la science-fiction ou le surréalisme dans ses installations, elle crée des scénarios d’un autre monde à partir des crises actuelles. À travers cet objectif, l’effondrement imminent de nos océans est souvent plus facile à appréhender.
https://ardensurdam.com/

Œuvre vidéo exposée :ISOLATION IN PROXIMITY TO ANOTHER

Tianji Zhao (Chine)
Artiste/chercheur/curateur/. Née à Pékin, elle a vécu et étudié entre les États-Unis, les Pays-Bas et la Chine. Elle est actuellement basée à Pékin. Son travail se concentre sur les pratiques sociales et les interventions performatives dans l’espace public, la documentation vidéo et photographique et la publication. Elle est l’un des membres du Social Sensibility Research Institute et la coordinatrice artistique du Social Sensibility R&D Department chez Bernard Controls industries à Pékin.
https://www.iprovoke.org/zhao-tianji https://socialsensibility.org/page/2/team/

Œuvre vidéo exposée : SAYIZHENG III

Xiaoshan & Xiong Yunhao (Chine)
Artistes conceptuels / cinéastes / critiques d’art / éducateurs / conservateurs. Basés à Nanchang et récemment à New York, ils ont été professeurs à l’Université d’art de Nanchang pendant de nombreuses années. Ils ont organisé plusieurs expositions et symposiums internationaux au cours desquels des artistes chinois et internationaux ont été invités à présenter leurs œuvres et à discuter de sujets sociopolitiques pertinents dans des musées, des universités et des espaces indépendants. Leur travail et leur pratique analysent les changements de la société chinoise et ceux de la création artistique et de la pensée critique en utilisant des supports temporels et non temporels.

Œuvre vidéo exposée : NOMADIC LANDSCAPES

« No-Mad » – Enraciné dans le devenir.

Cette exposition est une proposition de ré-imaginer et de recontextualiser la notion d’un État nomade décentralisé, indépendant et imaginatif.

Une attitude nomade au-delà de la version pervertie façonnée par la dynamique du capitalisme néolibéral avancé et son imposition à l’échelle mondiale de la précarité, de l’exploitation et de la fragmentation des relations humaines.

Une position nomade également au-delà du retour des forces réactionnaires autoritaires tentant de réhabiliter les récits sombres de l’hégémonie, de l’impérialisme et des conflits sur les nations, les frontières et les civilisations.

Les artistes impliqués, à travers leur vie et leur pratique, s’éloignent de l’idée romancée du flâneur et de celle du touriste-collectionneur néo-colonial d’expériences exotiques pour les re-proposer comme appropriation culturelle.

Avec une posture éthique consciente et un glissement spontané, ils proposent de repenser l’état nomade avant tout comme un état de devenir, un « niveau moléculaire » d’immanence, un mode-devenir-nomade, non anthropocentrique, non homogène et non exclusif.

Dans leur pratique, les connaissances techniques et théoriques, l’expérience de vie, l’intuition et la sensibilité convergent organiquement en tant que véhicules pour déclencher une résonance entre des subjectivités transculturelles qui interagissent constamment entre elles dans un processus de transformation mutuelle.

Leurs approches différentes du médium temporel de la vidéo et de la photographie, leur engagement et leurs champs d’investigation, réaffirment la nécessité incontestable de favoriser une prolifération constante des différences.

Quel type de nomadisme pouvons-nous penser dans un monde qui présente chaque jour des milliers de migrants fuyant les guerres et la pauvreté….des forces de travail précaires constamment déplacées dans le monde entier en raison des caprices des puissances financières mondiales et de la dégradation conséquente de l’environnement à cause du changement climatique induit ?

De nombreux artistes, en tant que témoins critiques, depuis des années, attirent l’attention, posent des questions inconfortables et prônent la nécessité impérieuse du changement.

Certains ont essayé de pousser leurs propres mondes et visions individuels, tandis que d’autres ont adopté une position différente : ils ne se considèrent pas comme des acteurs qui s’engagent dans des relations interactives dans le but d’imposer leur volonté individuelle.

Au lieu de cela, ils se reconnaissent comme l’expression d’une variété de relations significatives qui s’appliquent également à l’humain et au non-humain et s’étendent à travers la complexité des cultures, des identités et des systèmes sociopolitiques.

Appartenant à des générations et à des parcours différents, ayant été élevés entre des cultures et des pays, et/ou ayant passé un temps constant dans des environnements différents de ceux dans lesquels ils sont nés, ces artistes-chercheurs ont consciemment choisi de ne pas soumettre leurs pratiques et leurs voyage a des paradigmes rigides et des logiques binaires, laissant cette dislocation inhérente remodeler leurs perceptions et leur expérience du monde.

Comprenant leur quête et leur propre vie comme des états de devenir-nomades, ils explorent et entretiennent ces connexions de manière ouverte, empirique et expérimentale, où les formes et les pratiques sont à la fois collectives et individuelles.

La nature des œuvres singulières, articulées dans une interaction non hiérarchique peut montrer à quel point un ordre socio-politique nomade en devenir peut émerger comme un processus démocratique, à travers la coordination auto-organisée de la multiplicité.

Faisant écho aux découvertes anthropologiques et archéologiques récentes sur le degré de flexibilité et d’invention des sociétés préhistoriques (comme celles enregistrées et expliquées dans le livre de D.Graeber et D. Wengrow « Une nouvelle histoire de l’humanité »), ils véhiculent un message très pertinent pour notre époque actuelle: aucune valeur unique imposée ou culture dominante sont nécessaires, car un nouvel imaginaire social peut se développer grâce à la coopération d’acteurs très divers, muter lorsque l’interaction se dissout et se réinventer dans la suivant.

Suivant une voie tracée par le monisme de Spinoza et réélaborée à travers des cadres théoriques critiques récents incluant le post-humanisme, le neo-materialisme, la theorie de l’affect, la theorie post-colonial e dell’identité et l’éco-politique, ces artistes-chercheurs, travaillant sur un mode interdisciplinaire et transculturel, abordent la perturbations et contradictions actuelles de la vie et de la culture dans une interaction relationnelle fluctuante, en tant qu’éléments hétérogènes d’un nutriment commun nécessaire pour activer des processus et des dynamiques anti-hégémoniques et déterritorialisantes.

Leur défi principalement instinctif, puis élaboré stratégiquement et tactiquement, est de saper et de déstabiliser les structures et les infrastructures de pouvoir dogmatiques par l’énergie organique contagieuse de leurs interventions, actions, enquêtes et narrations nomades en devenir.

Pour souligner la position curatoriale de définir une constellation de possibilités autonomes, toutes les différentes œuvres exposées sont introduites à travers les mots et les

déclarations des artistes eux-mêmes.

Alessandro Rolandi

Bern 2022

Alessandro Rolandi (Italie)
A étudié la chimie dans les universités de Pavie et de Sienne Théâtre expérimental et réalisation de films avec Dominic Defazio, Histoire de l’art chez Christie’s Education, Paris. Il vit et travaille à Pékin depuis 2003, en tant qu’artiste multimédia et de performance, réalisateur, conservateur, chercheur, auteur et éducateur. Son travail se concentre sur l’intervention sociale et la dynamique relationnelle pour élargir la notion de pratique artistique au-delà des structures, des espaces et des hiérarchies existants et s’engager directement avec la réalité de multiples façons. Il est le fondateur, en 2011, et directeur du Département Recherche & Développement en Sensibilité Sociale chez Bernard Controls à Pékin et Paris et l’un des partenaires fondateurs de l’Institut de Recherche en Sensibilité Sociale (SoSense).
https://www.alessandrorolandi.org/
 https://socialsensibility.org/

Umberto Cavenago

L’artiste italien Umberto Cavenago a une place toute particulière à cette occasion avec son projet « Sweet Home ».

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